Catwalk: 9 Diseñadores que estrenan en la escena local

Moda 2018 en VLC

6 Fotografía: Franco Canepa

El pasado jueves 16, nueve diseñadores presentaron su propuesta en la versión 2018 de Viste la Calle Catwalk en el Espacio Fundación Telefonica. Un evento marcado por buenas ideas de diseño y personas feroces por mostrar su discurso.

Entrevistamos a estos 9 chicos que acaban de estrenar su más reciente colección (para algunos la primera) para conocer mejor su propuesta, motivaciones, inspiración y por supuesto, el futuro de la moda en Chile y por qué el de su marca en un mercado nacional que sigue creciendo.

Gabriel Figueroa (Jacinto)

Fotografía: Liam Polak

¿Cómo defines tu marca y cuál es tu propuesta de diseño?

JACINTO esta influenciado por la  cultura de consumo. Nuestros diseños  se liberan del género, la edad y las fronteras. La creatividad exuberante de la juventud y las ganas de entregar un mensaje a través de las prendas y estampados van directamente relacionados con la ineludible influencia de los medios digitales, la simbología y la comunicación. JACINTO contiene una visión de la realidad en la que estamos inmersos. 

¿Cuál es el concepto que abordaste en tu colección?

Nikita eres tu, Nikita soy yo, Nikita somos todos… 
La colección se llama Nikita y es un popurri de cosas. Desde chico me sentí estimulado por los colores, los juguetes, la dibujos animados, las divas pop  y todo lo que fuera muy gráfico o llamativo. Esta viene a ser un flaskback de mi infancia pero contada desde la actualidad con un aura muy propia y pop. 
Nikita al ser la primera colección viene a demostrar desde lo mas profundo la personalidad de JACINTO y a contar quiénes somos. 
 

¿Cómo ves el futuro de tu marca?

Lleno de color y emociones. Estamos recién partiendo, pero con la confianza en que podamos crecer como marca-empresa. Esperamos tener muy pronto
a Jacinto en un punto físico de venta y así  puedan adquirir nuestras prendas. 

Rod Lab

Fotografía: Franco Canepa

¿Cómo defines tu marca y cuál es tu propuesta de diseño?

Defino mi marca como sport nocturno, está enfocada para la noche, especialmente para fiestas techno y/o fiestas electrónicas, el propósito es que los usuarios puedan brillar y destacar por sobretodo. 
Mi propuesta principal es entregar LIBERTAD, mediante la línea editorial que proyectamos y también en las formas o transparencias que contengan mis colecciones. 
Además, ROD LAB está enfocada para las nuevas generaciones, especialmente para los millenials más atrevidos y mis favoritos más desatados que son personas de la generación Z (con ansias espero la nueva generación Alpha, que viene con todo). 

¿Cuál es el concepto que abordaste en tu colección?

Nirvana, desde un punto de vista espiritual, el nirvana se da cuando te sientes libre, sin prejuicios, miedos ni estereotipos. El propósito es que cada persona brille con su propia luz, sin importar lo que piense el resto. Es una colección contracultural. Ya que contiene transparencias y además contiene una estética no convencional. Me inspira mucho el movimiento underground y las redes sociales. 
Las personas quieren ser únicas y proyectar su identidad personal. 
Seamos únicos! la vida es demasiado corta para vestir ropa aburrida. 

¿Cómo ves el futuro de tu marca?

Muy pronto la marca estará disponible en una plaza física que próximamente anunciaré en mis redes sociales. 
Este fin de año me título como diseñador de vestuario, por lo tanto, desde el próximo año mi objetivo es internacionalizar la marca. Son planes que ya estoy desarrollando para el futuro. 

Cristobal Miranda

Fotografía: Liam Polak

¿Cómo defines tu marca y cuál es tu propuesta de diseño?

「mi」es una marca sustentable, erigida en las bases del manifiesto de diseño consciente de Fuad-Luke, que busca satisfacer necesidades reales, y no necesidades de moda o creadas por el mercado en que se comercializa. Diseñada para minimizar la huella ecológica de sus productos, tiene un enfoque local que prioriza la reutilización de materia primas textiles desechadas y la utilización de insumos de alta calidad, para así producir objetos vestibles duraderos y atemporales. Finalmente, la marca entiende el vestuario como la primera arquitectura que habita el ser humano y por tanto respeta la forma en que el cuerpo humano interactúa con las prendas y sus materialidades, que busca brindar armonía a quienes decidan vestirlo, siendo consecuente con el paradigma de la limitación de recursos disponibles y el consumo sustentable.

¿Cuál es el concepto que abordaste en tu colección?

En la colección ELUNE, abordo desde mi experiencia personal con las diferentes identidades de géneros y sexos, la construcción de una nueva nomenclatura de vestuario: ultrasex [(del Latín ultra-) ‘más allá de’] para así abarcar la infinidad de posibilidades de sexos y géneros existentes, poniendo en entredicho el concepto de lo unisex y la moda andrógina, para realmente ser inclusiva. Esto principalmente debido a que no creo en la inexistencia del género o la triada masculino/femenino/unisex, que resultan segregativas en su afán inclusivo.

Específicamente la colección se compone de 34 prendas atemporales que no tienen distinción de género, sexos o identidades, construidas a partir de indumentaria reutilizada obtenida mediante donación directa, que buscan comunicar las experiencias de género precolombino previas a la colonización católica española, a través de su construcción y procesos textiles, entendiendo desde la perspectiva andina, que los objetos (En este caso las prendas) tienen vida y comunican, lo que los convierte en un elemento identitario importantísimo.

Las referencias de silueta y paleta de colores de la colección fueron obtenidas directamente de la investigación que realicé de textiles prehispánicos en el Museo Chileno de Arte Precolombino, de los grabados y pinturas rupestres, de vasijas ornamentales y patrones textiles de las distintas culturas indígenas, abstraídas a la actualidad a través de siluetas streetwear, donde la influencia asiática va de la mano con mi identidad creativa.

¿Cómo ves el futuro de tu marca?

Tras esta primera experiencia en VLC Catwalk 2018, tengo altas expectativas acerca del futuro de mi marca pero lo que realmente me interesa, más allá del éxito intrínseco de las colecciones, es poder seguir generando cuestionamientos acerca del status quo que rodea a los diferentes productos y materiales que se crean y utilizan en la moda local. Quiero poder llevar estos debates más allá de quienes estamos inmersos en la industria y llegar a quienes se encuentran absortos por la cultura de mall y el consumo rápido, donde un claro objetivo para mí es comunicar que el vestuario es un objeto de culto atemporal que merece respeto y crítica, que detrás de lo que compras hay un equipo de trabajo inmenso y una red de actores global que hizo posible que lo compres y que es necesario pensar dos veces antes de descartar una prenda.

Javiera Acuña

Fotografía: Franco Canepa

¿Cómo defines tu marca y cuál es tu propuesta de diseño?

La marca Javi Acunha se define como una marca que busca romper los esquemas en todos los sentidos de la palabra. Ya sea en materialidad o en convenciones sociales.
La propuesta asienta sus bases, en mostrar materialidades sacadas de su contexto habitual, de no etiquetar el vestuario, en el sentido de designarle género a las prendas. El vestuario puede ser usado por quien lo sienta cómodo. Se trata de ser auténticos, sin importar los estereotipos que nos impone la sociedad sobre como debemos ser y actuar, acorde a nuestros sexos biológicos.
La ropa es un objeto que nos permite expresar nuestra identidad a través de ella, pero cabe destacar que como objeto, la ropa no tiene género.

¿Cuál es el concepto que abordaste en tu colección?

Como primera colección oficial de la marca, busque plasmar la esencia de ella, por lo cuál nombré a la colección como “Genderless”, lo que significa, sin género. En esta colección se ve plasmada todo lo que la marca como tal busca hacer, en cuanto a la elección de materialidades como el PVC, el charol y el Latex. También se puede destacar la carta de color de la colección, que en su mayoría se ve representada por el negro, la ausencia de luz, con pequeños acentos de color. La carta de color busca plasmar este mundo oculto o más bien que el mundo oculta, por que los prejuicios son más grandes, es un mundo en el cual habitan las personas sin prejuicios, donde no hay tabús, mientras más únicos mejor, un mundo en el cuál no existen reglas.

¿Cómo ves el futuro de tu marca?

Veo el futuro de la marca con optimismo. Cada vez somos más los que apuntamos a la igualdad en todos los sentidos de la palabra. La sociedad está cambiando, cada vez son más las personas que buscan desentenderse de las masas, de poder hablar a través de su vestuario y decir “aquí estoy y esto es lo que soy”. 
El éxito, es algo que se verá con el tiempo, que el trabajo y la dedicación, el seguir innovando, el seguir buscando una propuesta con contenido, el seguir transmitiendo una postura frente a la vida. Indudablemente darán algún resultado.

Mila Aguilera (Pulso)

Fotografía: Liam Polak

¿Cómo defines tu marca y cuál es tu propuesta de diseño?

Con mi marca busco expresar emociones, desde que comencé a diseñar en la universidad he tomado temas personales  o temas psicológicos como inspiración. Creo que la vida por si sola es una fuente de referentes importantes que no deben pasarse por alto. Mi idea es mostrar mi identidad, transformarla en un concepto y dar vida a la estética de mi marca.

¿Cuál es el concepto que abordaste en tu colección?

Está colección  retrata un poco de eso. Cuando comencé a crear -razón- solo buscaba entenderme mejor, encontrarme y crecer un poco más. Esta colección la pensé durante mucho tiempo, buscando mis propias motivaciones me centré en el vestuario y boté en ella todo lo que creí necesario.  baje a una colección sensible y simple en donde destaca la intervención textil con pintura y retazos por sobre la morfología de las prendas. Pretendo así dar algo muy personal en cada prenda.

¿Cómo  ves el futuro de tu marca?

A futuro pretendo que mi marca siga creciendo mezclando mi amor por el vestuario y mi vision sobre la vida; creando prendas que guarden un poco de mi sensibilidad personal y que gusten a los otros. 

Jotha Jeréz

Fotografía: Franco Canepa

¿Cómo defines tu marca y cuál es tu propuesta de diseño?

La defino como transgresora e inclusiva, apelando siempre a la innovación en cuanto a estereotipos establecidos por la sociedad, inspirándome siempre en esta desde cómo va evolucionando hasta lo que ya pasó con ella. 
Me interesa mostrar realidad  y una realidad literal, algo que como cultura chilena nos cuesta mucho.
Mi propuesta de diseño es principalmente visual, ya sea ocupando estampados o creando una mixtura de telas que lleguen a un resultado  congruente,  cambiar algunas morfologías de básicos y en cuanto a tallas siempre la parte superior es oversize me gusta que la gente se sienta libre en la prenda .

¿Cuál es el concepto que abordaste en tu colección?

La colección se llama WELCOME y está inspirada en la migración haitiana. Como referente principal  veo el cambio multicultural que está teniendo este Chile con el nuevo; lo utilizo como un modo de protesta  y de inclusión, pero también tomando en cuenta su estética  y atrevimiento a la hora del vestir .

¿Cómo ves el futuro de tu marca?

Cómo veo el futuro de mi marca es una pregunta difícil pero lo que quiero es acercar  a la gente a la moda o acercarla a jotha.jerez.  Siento que el chileno tiene un mal concepto de moda, siento que el concepto de moda que se tiene es un tanto plástico y superficial.  ¡Es 2017! y definitivamente la moda evolucionó  de una manera radical.  
Con mi marca quiero seguir protestando de manera directa e indirecta seguir perfeccionándome como diseñador  y hacer de jotha.jerez una firma  que marque un procedente en la moda chilena.

Lien Laf

Fotografía: Constanza Gonzalez

¿Cómo defines tu marca y cuál es tu propuesta de diseño?

La defino como una marca genderless, me gusta diseñar prendas que todos puedan usar sin importar las etiquetas que refleja los patrones binarios de géneros establecidos socialmente y quise abordar esto de una manera completamente streewear y muy deportiva.

¿Cuál es concepto que abordaste en tu colección?

La colección lleva el nombre de “Gema”, que es como se nombra a los minerales luego de ser cortados y pulidos para embellecerlos. Con este concepto desarrollé patrones utilizando imágenes de minerales y piedras preciosas, plasmándolos en tela por medio de sublimación y creando estampados únicos para cada prenda.

¿Cómo  ves el futuro de tu marca?

Me gustaría verla como una marca de diseño urbana inserta en el mercado dentro de Chile e internacionalmente y seguir creando colecciones que todos puedan disfrutar usando.

Rocío Jimenez

Fotografía: Liam Polak

 

¿Cómo defines tu marca y cuál es tu propuesta de diseño?

Defino mi marca como urbano casual , siempre he tenido la conciencia de que el diseño debe transmitir, pero a la vez debe ser práctico, o sea si es vestuario poder usarse, para mi es super importante que las prendas transmitan un mensaje y que a la vez sean usables. Creo que mi marca es simple, o sea si de diseño hablamos, quiero que sea sutil, bella, delicada, y creo que mis diseños muestran mucho de lo que yo misma soy y quiero mostrar. Busco constantemente crear prendas únicas, usables, pero con contenido. Y principalmente echas con amor y dedicación.  
 
 

¿Cuál es concepto que abordaste en tu colección?

El concepto de esta colección se basa en las marchas feministas, como mujer y feminista, creo que el mensaje de igualdad debe entrar en todas las áreas para poder lograr un cambio y creo que el vestuario es una de las áreas donde aún se ha tocado poco el tema y que mejor que lo tome una mujer como yo igual que cualquier mujer que diariamente vivimos acoso y violencia de género. Pero hablando de la colección extraje los colores y formas de fotografías de distintas marchas.
 

¿Cómo  ves el futuro de tu marca?

No lo sé,  solo pretendo ahora trabajar mucho para que la marca empiece a moverse y surja, creo que es una marca que se la juega por el diseño consciente, sustentable y que sea usable, y por eso para mí,  lo que realmente seria muy “bacán” es ver a gente interesada en mi trabajo y que realmente usen, amen y se sientan identificadas con sus prendas. En relación a lo práctico quiero empezar a trabajar la colección cápsula pero solo con prendas y textiles reutilizadas .

Isabel Peña

Fotografía: Franco Canepa

¿Cómo defines tu marca y cuál es tu propuesta de diseño?

Marca de diseño de autor  femenino, Pret a Porte, que navega entre lo formal, formal casual, coctel, fiestas y novias,  que se caracteriza por reflejar lo que es la mujer actual, alejándola de estereotipos y tabúes-

Presenta una mujer versátil, natural, amante de la comodidad y elegancia, pero que quiere destacar y romper lo común-

A través de una visual atemporal y siempre de la mano del arte. Creando colecciones con pocas repeticiones y en muchas ocasiones, prendas únicas-

Mi propuesta de diseño, parte y se centra en la entrega de elegancia, sofisticación y comodidad, de la mano de la diseños intensos que propongan teatralidad, vanguardia y que  creen un imaginario fresco, diferente y con toques de surrealismo-

Donde  luego,  se hace la bajada comercial para nuestras clientas.

¿Cuál es concepto que abordaste en tu colección?

Para la colección presentada en Catwalk viste la calle, se presentaron 7 trajes de novias, cada uno de ellos basado en diferentes mujeres y su relación con los estereotipos y el matrimonio,  por ejemplo, la Geisha, la hindú, la musulmana, la masculina, la embarazada,  entre otras. En donde a través del vestir se busca entregar libertad y romper los estereotipos culturales entregados a la mujer. Pudiendo  proponer nuevas siluetas, colores y nuevas relaciones corporales, dentro de cada contexto-

Por ejemplo en el vestido color Magenta, inspirado en los vestidos  de las mujeres musulmanas, (El hiyab) en donde está prohibido mostrar alguna parte de su cuerpo, se quiere dar absoluta libertad   de mostrar, por lo cual se expone un vestido con escotes profundos,  tomando como base pequeños ejes de construcción propios del vestuario de estas mujeres, como las túnicas, telas con movimiento, largos excesivos.

Por otro lado se propone el  uso de nuevos colores, como el negro, el rojo, el palo rosa, etc, que proponen nuevas miradas al color y su connotación social- 

Me inspiro en las mujeres y su peso histórico-social, rompiendo suavemente sus cánones sociales, sin quitarles su femineidad ni su esencia; proponiendo una estética que modifica el paradigma romántico común y que pretende entender que cada mujer es única y particular,  y su vestir e un acto tan importante como su boda, la cual debería reflejar en un 100% lo que  realmente es como mujer-

Desde una producción slow e inspiración Regional (Temuco), donde ya es difícil hacer moda y diseño en general y más aun proponer una nueva estética desde de el vestuario de novias-

¿Cómo  ves el futuro de tu marca?

Desde lo creativo, Seguir retratando la femineidad y sus cambios sociales, dando, a través del vestir, libertad y representatividad –

Desde el punto de vista comercial,  se nos presentan nuevos desafíos, como  la apertura de un nuevo showrroom en la ciudad de Temuco, en donde se presentaran pequeñas colecciones de trajes de novias, coctel y formal casual- dentro del los próximos meses. Igualmente poder tener la marca en tiendas en Santiago y en otras regiones del país.

 

A continuación te dejamos el report de CatWalk x RARO Films.

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